從Kuso小品進化成為動人史詩，不但是《艋舺》導演鈕承澤的巧思與妙技，亦是他在廝殺激烈的春節檔市場中勝出的企圖心。

美國導演柯波拉（Francis Coppola）的《教父（The Godfather）》傳奇雖然是從女兒婚禮開場，但是教父在街旁買橘子遭槍擊，卻是黑幫火拚高潮的前奏，熟悉《教父》脈絡的鈕承澤，在《艋舺》一片選擇了雞腿來開場，乍看有些無厘頭，卻因此有了新意，也使得男兒情義有了與台灣過去黑社會電影截然不同的切入觀點。

這種要停格就停格，要插字幕就插字幕的Kuso破題法，兼具了青春、浪漫的狂想氣息（很有日本導演行定勳力作《GO!大暴走》的狂野氣味），再搭配往復拉鋸的流暢敘事，鈕承澤確實找到了與新生代觀眾對話的文法；等到觀眾都已登堂入室之後，他再回歸黑幫爭鬥的史詩主流，就連挑剔的中生代影迷，亦能看得津津有味了。

是的，《艋舺》賣座，無關乎青春夢想的重建，亦難與台北市改造舊社區的強力行銷畫上等號，《艋舺》賣座，純粹只是因為鈕承澤會說故事，且有故事可說，讓觀眾看到了一部有想法，亦有內容的好看電影。

乍看《艋舺》前十五分鐘的戲，卻讓人有些提心吊膽的，原因是迎合市場的Kuso風格，其實有點嗆俗，可以博君一粲，卻很難持久，就像鳳小岳飾演的志龍一樣，囂張搖擺，卻也容易自暴其短，稍有不慎，就會墜入青春校園電影或是古惑仔電影的傳統框架之中。 

但是，沒有，《艋舺》的Kuso前戲只是調味，只是要帶出趙又廷飾演的蚊子從寂寞到認同的轉變過程，鈕承澤在處理最關鍵的跳牆戲時，故意留了一手，先只是介紹了他們的集體行動，終場前才又回顧趙又廷在攀牆前的猶疑與決志，讓「跳牆成一夥，青春不回頭」的行動有了最精準的對位符號。先是大刀斬切，快意揮灑，最後才來一記如雷灌頂的回馬槍，這種敢放敢收的剪輯手法，確已證明了鈕承澤懂戲會說戲的功力。

鈕承澤是台灣新電影時期的重要演員，但是那個時期的演員，除了楊惠姍之外，多數演員都只是導演的棋子，做了導演之後的鈕承澤卻懂得讓演員跳出來，《艋舺》的演員空間確實大過以往的台灣電影，這也是創造觀眾投射與共鳴的重要手段。其中，阮經天的表現更勝趙又廷，王識賢的韻味更勝馬如龍，算是全片最重要的關鍵人物。至於席曼寧和陳漢典的鋒芒亦極亮眼，甚至鈕承澤自己下海演出的外省掛角頭，也比《牯嶺街少年殺人事件》的楊清順更精準貼切（鈕承澤強在他的坐姿與眼神，得知兒子真相時的腳步聲，卻顯得亂蹄失控了）！

如果說趙又廷的角色是一根腸子通到底的直率與認真，阮經天的表現則像九轉迴轉般彎轉多變。首先，他的光頭造型在那個髮禁初開的80年代末期，在多數青年強力護髮變髮的年代裡，就顯得格外突出；其次，其他的演員都只會血性談話，只有他吐得出智慧語絲，不管是「今天你不弄死他們，有一天你就會被他們弄死」或「想知道，就會知道」，所有的關鍵語句全都是他來說的；第三，他的情欲傾向，也是全片最詭奇的設計，所有的異性糾纏都與他無關，兄弟間的情義卻全賴他來串連（不管是洗背、代塗強力膠，或者出面頂罪）。至於整齣戲最見城府的設計當然就在於他沒有贅戲，也沒有贅辭，他被廟口角頭馬如龍打個半死，並非單純地只是老大教訓手下而已，暗含的權力鬥爭與歷史恩怨，才是牽動後續劇情的關鍵，至於他是為了復仇，還是志龍，還是廟口，才做出最後抉擇？同樣創造了耐思的曖昧空間。

台灣電影很少看見這麼有血有肉的角色雕塑，看得出鈕承澤對和尚這個角色的偏愛，而阮經天也沒有辜負與錯失這個機會；當然，趙又廷靠著他擅長的憤怒吼勁，保住了他的血性江山，沒有被阮經天把所有的戲份全都吃了乾淨，也算不容易了。 

整齣《艋舺》的最大失誤，其實在於馬如龍的Geta角色，關鍵在於他頭戴浴帽出場的Kuso搞笑，以及在那卡西演唱時，張羅著年輕小輩的模樣。鈕承澤確實有意要顛覆前人模式，新塑「俗擱有力」的台灣角頭模樣，但是Geta角頭的豹變模樣，卻失去了必要的連結，你很難想像Kuso搞笑、家法嚴懲以及力戰群雄的三稜鏡如何折射在他身上，相較於其他角色的脈絡鮮明，Geta角頭反而是刻意混血反而混到面目模糊了。

《艋舺》的角頭談判戲也是味蕾精準的詮釋，《教父》中，馬龍白蘭度與五大家族的談判，就因為長子的多嘴，讓對方看出縫隙，而有了下手之心；《艋舺》的談判戲，其實也精準地運用剪接對比，把爾虞我詐與心浮氣燥的流動氣息都換算成演員的五官特寫，讓人一看就明白，但那卻是鈕承澤早已潛入角色與劇情核心，又浮出水面的消化結晶，看過這些場面調度，《艋舺》的魅力即已確然，鈕承澤瀟灑精算的導演地位亦已確然。

以下文章轉載自: <陳建嘉> 櫻花時代-艋舺 http://blog.chinatimes.com/kevincs/archive/2010/02/07/470337.html

鈕承澤蟄伏多年的電影之夢，恍如櫻花一瞬般綻放那瞬間的美麗，卻又短暫。而我在電影裡面所看見的，是鈕承澤向來所意圖要訴說的一種概念，男人的寂寞，男人易碎的夢，他對生命的不信任與宿命論，亦像櫻花，亦像血，浪漫地再整部電影散漫開來。

有了這樣的理念，不難想像這是一部充滿鄉愁的電影，如此寂寞卻又透明，一群男孩在舞廳、冰店、電影院的背景教人回顧了當年的盛景。當年經濟起飛的模樣，透過整部電影的鏡頭視角，一幕幕紀錄下來，這其實不能算是一部完整的黑道電影，不若於法蘭西斯科波拉，不若於吳宇森，也不若於北野武，【艋舺】從第一幕那言不由衷的拳頭，就告訴我們電影的全貌，這是我們曾經共度的寂寞。那個跨越過聯考、父母壓力與族群認同的模糊年代，鈕承澤毫不避諱的將他自己的外省身分做了一個投射，在趙又廷身上實現，灰狼是外省掛，MASA大仔有後壁厝，GETA大仔有廟口，【艋舺】這個曾經群聚各種族群的小鎮，有來自於不同地區不同的人，但是蚊子不屬於任何人，正確來說，他的信念是模糊的。

這就是【艋舺】，海報上偌大的宣傳詞「我混的不是黑道，是友情，是義氣。」則顯得更生猛許多，從一開始包裝精美的行銷，以復古的八零年代文化重新帶我們召返那個美麗的世界，重現萬華的盛景，再從幫派的敘述為主，和尚那樣明顯的同志偷渡，那樣不說白卻反而是整部電影最確定的信念，他的愚忠其實如此可愛。蚊子所欠缺的身分認同，他不知道自己從何而來，卻在GETA的身上得到認同，甚至自願為GETA抬牌位。不同於行事扭捏的外省幫派，台灣黑道的率真直接，就如同白猴所說的：「這就是台灣黑道，俗擱有力。」透視了台灣早年的生猛有力。

再來的畫面，則是將【艋舺】形塑出更為激盪的史詩感，貫穿了台灣這一段盛年的歷史。幸虧了副導演林書宇在【九降風】就已經嫻熟的青春浪漫，【艋舺】的少年飆車、當街鬥毆甚至連嫖妓都顯得如此哀愁，與鈕承澤的鄉愁相輔相成。但這仍然是專屬於鈕承澤的電影，那張巨大的【小畢的故事】電影海報，年輕時的浪蕩轉化為中年時的自我獨白，我們都只是隨風而擺動的草，指的是自己，指的是艋舺，指的也是台灣。

這可能就投射出了【艋舺】的一些言外之意，同樣擁有外省身分的鈕承澤，所具備的認同感更是模糊，來自哪裡？要去哪裡？這片在某些層次彷彿要告訴我們更深沉的含意，【艋舺】的原意是小船，在那個動盪不安的時代裡面載浮載沉，面對未來與過去無以為繼。青春也是，夾在一個前途未明的年紀裡，既然什麼答案都無法揭曉，整部電影就成為了尋找答案的一個依據，眾人都在尋找答案，GETA與MASA選擇保持現狀，文謙想要居上位，灰狼想要改革，太子幫五人卻只是單純的想要繼續保護彼此。

但我真正被感動到，也覺得最浪漫的，便是電影的最後那一個段落，漫天的血如櫻花飄落，滴滴落在自己的至愛好友身上，迅速切換到妓女小凝所說的：「最近有什麼電影好看啊？」隨後望著櫻花天花板傻笑，我被那樣的煽情畫面弄得一把鼻涕一把眼淚。即便在最困苦的環境，也能夠聽著Air Supply的歌曲而偷偷存藏著一點專屬於自己的浪漫，那個時候我才發現，這就是鈕承澤在電影裡面交代給我們的答案，保護自己心愛的人，選擇自己最想要的生活，那其實就足夠了。倒是我覺得電影最後蚊子的獨白有點多餘有點說教，但那個意味深長的眼神，搭配著曾經蔚藍美麗的天空，還真的是美麗極了。